Paris expos

Qui a peur des femmes photographes ?

Depuis le 13 octobre 2015 jusqu'au 24 janvier 2016, riche exposition de clichés vus par l'objectif au féminin... de 1839 à 1945 . Deux lieux,  pour une manifestation en deux parties :
- Au Musée de l'Orangerie : Ière époque - de 1839 à 1914
- Au Musée d'Orsay            : 2ème époque-de 1914 à 1945
Parmi les œuvres proposées , des centaines sont prêtées par La Library of Congress de Washington. Tous les genres sont représentés dans cette exposition éclectique  au titre accrocheur: botanique, guerre, portraits.. avec de vraies questions, derrière la boutade. Comment la femme perçoit-elle le

monde qui l'entoure ? A-t-elle un regard différent sur les gens et les événements? Saisit-elle mieux que quiconque l'instant, ou l'expression d'un visage, ou l'importance du fait ? Nul doute que chacun, chacune, trouvera le lien entre:  l'image, l'intention, la technique maîtrisée, le message transmis ...
De nombreuses conférences, des visites commentées, des débats,  s'ajoutent à l'exposition. 
Forte de ses acquis,  la femme a pu donc s'inscrire dans la mouvance, avec son  propre engagement, en dépit parfois de doutes, de quolibets, ou de sombres desseins, émis à son encontre. Acquérir respectabilité et reconnaissance du travail effectué, dans une discipline qui ne lui était pas forcément destinée (la photographie) ,  peut alors ressembler à un long et difficile  chemin à parcourir. La victoire n'en est que plus méritoire.

FIAC : Foire Internationale de l'Art Contemporain

. Plus que jamais,  la capitale française a affiché, du 22  au 25 octobre 2015 son attachement à l'art contemporain. Saisissant l'humeur du temps, la vague ondoyante du marché de l'art, la manifestation se voulait à la fois populaire, en vogue, et à la pointe de la création artistique. Mettant en exergue les nouveaux et jeunes  plasticiens sans renier pour autant ceux qui sont plus aguerris, plus cotés . Lieu de rencontre, mais aussi d'exposition, cette foire est un réel marqueur événementiel à travers de multiples parcours, qu'ils soient visuels ou sonores.  Du  hall principal  à l'extérieur, de l'Officielle au Grand palais,   le visiteur a su où ses pas l'emmenaient. 
-Hors les murs : Jardin des Tuileries jardin des Plantes, Petit palais, Place Vendôme...
-Films d'artistes avec le Cinéphémère  dont c'était la 6e édition, avec FID (Festival international de cinéma de Marseille) et FILAF (Festival international du livre d’art et du film) au programme
- Exposants (175) :
http://www.fiac.com/paris/grand-palais/exposants-2015
- Artistes ( plus de 1700) :
http://www.fiac.com/paris/grand-palais/artistes-2015
Pour ceux qui n'ont pu se rendre à la FIAC ( celle de 2015 et les précédentes) les Catalogues sont disponibles, en vente,  sur le site éponyme.
L'importance et le succès de cette Foire font d'elle un incontournable phare sur la scène internationale

de l'Art Contemporain. Si le XXe siècle a vu éclore de nombreuses affirmations de  talents, le XXIe les confirme et les encourage. De nouveaux matériaux, de nouvelles technologies, de  nouvelles formes de pensées et de façons de vivre  modifient la perception artistique en accélérant un processus avant-gardiste frileusement mis sur la  place depuis plus d'un siècle. Authentiques creusets, et vitrines,  de la création contemporaine, les grandes Foires  de l'Art (Paris, Berlin) attirent, de plus en plus, public et artistes. Il reste à faire suivre  le mouvement, cependant,  par le volet pédagogique dans les programmes d'enseignement des Arts Plastiques..



Free lance Writer 
Culture  Art  Patrimoine
(Photo-montages NLM)

Hokusai et Buren: art for eternity

 Katsuhika Hokusai  (1751- 1849) - (北斎)

Une part de son immense  production picturale (30 000dessins)  fait l'objet d'une exposition rétrospective à Paris , au  Grand Palais, jusqu'au 18 janvier 2015. Parmi les nombreux noms (pas moins de  90,  dont il se servait pour signer ses estampes et ses illustrations à chaque période
différente de son parcours créatif), la postérité  retient le plus connu :
       "Manji, le vieil homme fou de peinture " (Gakyōjin manji) 
A l'occasion de cette exposition à thème, , on peut rappeler  le nom d'un contemporain de Hokusai, qui fut aussi un  graphiste éminent  du monde de l'estampe japonaise : Hiroshige (1797-1858). Les deux artistes, parfois considérés comme rivaux, ne le furent point tant leur style était individuel. Les 36 vues du Mont Fuji, et la multiplicité de ses œuvres ont contribué largement à la renommée d'Hokusai.    

Autres lieux où l'on peut admirer des estampes :
- A Giverny, dans la demeure de Claude Monet, on retrouve 231 gravures japonaises (dont quelques  estampes japonaises de Hokusai, issues de la série personnelle du peintre fondateur de l'impressionniste).
- A Montélimar, en 2010, lors d' une exposition de la collection parisienne personnelle  de  Guy Juille.

Seiji Nagata

Certains ne retiennent des estampes que celles des figurations de positions suggestives (shungas) , mais au nombre des plus célèbres productions graphiques d'Hokusai se comptent également  les représentations florales, humaines,  animalières, paysagères  et environnementales, qui, outre l'art pictural maîtrisé par le peintre,  renseignent sur la vie et le décor dans le  Japon du XVIIIe et XIXe siècles, en un précieux volet  "ethno-anthropologique". En fin de vie,  l'artiste se fixa une astreinte de "un dessin par jour" afin, malgré son grand âge,  de ne pas rompre avec le geste quotidien de la tenue du pinceau guidé  sur la feuille. Geste qui fut son modus vivendi, sa folie créatrice, l'expression de son talent et qui lui apporta la renommée mondiale. 
à signaler :
La monographie de Seiji Nagata ( ed. Prisma)
et l'article qui lui est consacré   (Berlin 2011)
http://www.wochikochi.jp/english/topstory/2011/10/hokusai-berlin.php
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Daniel Buren expose à Marseille,  au MaMo (Marseille Modulor) , du 24 juin jusqu'au 30 septembre 2014.
  Défini, fini,  infini, travaux in situ
 Le célèbre village vertical constitué de 337 appartements, est un lieu culturel étonnant.  Le designer Ora Ito, créateur du " Mamo Audi Talents Awards ", a bien cerné l'enjeu de cet espace particulier, pour l'organisation de manifestations exceptionnelles pour,  et autour de,  l'art contemporain.
Ainsi, le toit de La Cité Radieuse, édifiée de 1945 à 1952,  selon les plans de l'architecte Le Corbusier (1887-1965),  a reçu, en  2014, une partie des œuvres de  l'incontournable artiste contemporain Daniel  Buren. Mais il faut citer également pour cette même année l'exposition "Daniel Buren, comme un jeu d'enfant , travaux in situ" à Strasbourg depuis le 13 juin jusqu'au 4 janvier 2015, ainsi que celle de Gateshead ( GB) " Daniel Buren. Catch as catch can. Works in situ"  qui s'est terminée le 12 octobre 2014. L'expression "in situ" atteste  du caractère éphémère de l'exposition, et des œuvres mises en espace pour une circonstance arrêtée dans le temps, mais non sur la durée. Une perception personnelle qui donne à réfléchir sur l'instant créatif, le choix artistique,  la pérennité d'une production., mais aussi sur l'exploitation  du travail des créateurs par le milieu artistique.   
 Les années soixante , le groupe B.M.P.T. sont loin, certes, mais la démarche créatrice et l'engagement n'en sont  que plus affirmés. Rechercher le minimalisme pour atteindre "le degré 0 de la peinture", en se débarrassant du classicisme des convenances, afin de  se démarquer,  avoir le souci du lieu, et du public, qui accueillent  les œuvres, sont pour un maître des arts plastiques, des intentions hautement louables, car, rares. Même si "Daniel Buren prend ses couleurs sans les choisir" (entretien en 1965 avec S. Alexandrian),  son univers  est un monde extrêmement coloré, à dominante géométrique, qui emploie volontiers le tracé brut linéaire, sans pour autant délaisser la souplesse de la courbe.Daniel Buren, qui a multiplié les participations aux expositions internationales, a été primé par l'empereur du Japon, en 2007, avec l'attribution du Praemium Imperiale.
Expos du moment, textes, archives ...: 
http://www.danielburen.com/exhibits/personnelle 
A voir , à revoir, à découvrir...: Les divers tomes du catalogue raisonné.(1967  -1972) .On y retrouve les peintures acryliques sur tissu rayé,  les papiers collés , les affichages sauvages..

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Avant que la grande vague bleue de Kanagawa n'emporte Hosukai vers l'au-delà éternel et vers la célébrité intemporelle, une phrase peut définir sa philosophie de l'existence :
"Oh! la liberté, la belle  liberté, quand on va aux champs d'été pour y laisser son corps périssable"
(épitaphe de la stèle  de  Hokusai)
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"L'infini : notion non palpable, pour  l'esprit  d'un être humain,  si ce n'est par les sentiments.
Car, seules, l'intensité de l'amour,  la douleur de la perte d'un être cher,  peuvent être  ressenties comme: infinies. " (NLM)
                                                                                                              

Free lance Writer
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Deux expos parisiennes pour R. Mapplethorpe: photographe américain.

 En 2014, Paris consacre deux expositions exceptionnelles   au photographe américain : Robert Mapplethorpe .(1946-1989)
Deux importants pôles culturels proposent  individuellement une étonnante rétrospective,  pour un duo de regards complémentaires sur l'ensemble de l'oeuvre.
- le Grand Palais (du 26 mars au 13 juillet)s'intéresse à la production de l'artiste sur la décennie : de 1970 à 1980. Etonnants portraits de célébrités, singuliers autoportraits, gros plans sur des détails anatomiques, ... le tout en noir et blanc. Ce thème-là est exprimé plus comme un dialogue, une complémentarité,  qu'une réelle opposition.  L'affiche interpelle par le choix de l'autoportrait (exécuté peu de temps avant la disparition de son auteur).
La symbolique (canne de marche à crâne simiesque) prend alors tout son sens. L'homme,  aux traits las et figés, brandit cette morbide représentation comme pour se rendre à la fois  maître de sa destinée, et annoncer l'inéluctable fin. Peut-être est-ce là une façon de considérer la fulgurance de sa vie, partagée entre un  éclatant talent, et une recherche personnelle oscillant entre la clarté  mystique, côté face, et l'obscur verso ?
http://www.grandpalais.fr/fr/evenement/robert-mapplethorpe
 - le Musée Rodin ( du 8 avril au 21 septembre  ) 
 On peut y découvrir une thématique mettant en exergue des parallèles entre le travail du sculpteur  Auguste Rodin, et celui du photographe. L'académisme est frappant de similitude tant les postures , les modèles sont en adéquation. Mains, têtes, corps,  sont exaltés, tant comme sujets,  que comme modèles de perfection, qui forcent l'admiration par le rendu si proche du réel.  Un aspect de la production du photographe qui, confrontée à celle du sculpteur, prend ainsi toute son amplitude. On a souvent évoqué cette façon personnelle que Mapplethorpe avait,  pour aborder et pratiquer  son art:  en tenant compte de la mise en scène et de l'éclairage du sujet, afin d'en faire ressortir la dimension et l'intensité voulues.
http://www.musee-rodin.fr/fr/exposition/exposition/mapplethorpe-rodin
Influencé par la production d'Andy Warhol,  Robert Mapplethorpe a cependant développé son propre style très précocement. Ses débuts ont été marqués par la pratique du dessin, de la recherche en technique photographique, la consultation de fonds photographiques de musées, ainsi que les premiers essais de photos à l'aide d'un modeste Polaroid. Derrière le provocateur, l'artiste dérangeant, autant critiqué qu'admiré, transparaît un homme écorché vif, hanté par des désirs et des fantasmes qu'il cherche à exorciser par la mise en images,  stylisée et scénarisée. Le regard est lucide,  voyeur, cru, sachant aussi se montrer hautement esthétique, décomplexé, parfois éloigné de la bienséance ou du "bien-pensant", mais jamais loin d'une certaine et évidente poésie.

Patti Smith

 Patti Smith, (musicienne, chanteuse de rock, poète, peintre et photographe),dont il fut l'ami, en parle avec beaucoup d'affection et de nostalgie. Elle fut présente lors du vernissage de l'exposition du Grand Palais, et à cette occasion a participé à de nombreuses émissions de TV , accordant même quelques interviews à la presse. Elle a rédigé un livre de souvenirs " Just kids", dans lequel est évoquée la période de sa vie avec R. Mapplethorpe.
- (lire l'article paru dans l'Express Culture, narrant la rencontre avec R. Mapplethorpe)
.http://www.lexpress.fr/actualite/patti-smith-raconte-robert-mapplethorpe_1502868.html
- (écouter P. Smith chanter "Horses" ,  et "Hey Joe", in live ) :
https://www.youtube.com/watch?v=c3coSfks4rQ

Réduire l’œuvre de Mapplethorpe aux seuls clichés érotiques, qui en partie ont fait sa notoriété,   serait singulièrement réducteur, et l'on passerait ainsi à côté des photos les plus caractéristiques de sa maîtrise de  la prise de vue:  celles des végétaux, et les portraits de célébrités, entre autres.On est frappé par l'expression vraie, sans maniérisme, qui se dégage de chaque personnalité. (sur le montage ci-dessous : Yoko Ono, Andy Warhol, Paloma Picasso, Iggy Pop, William Burroughs..)

montage N-L. M.

 Pour en savoir plus sur la production et la biographie de Robert Mapplethorpe ,  consulter le site de La  fondation :  http://www.mapplethorpe.org/

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Man Ray (1890-1976): peintre, architecte, mécanicien, et connaissant le dessin industriel, faisant partie du courant dadaïste,  fut lui aussi un grand photographe, célèbre pour ses saisissants portraits.

Man Ray

montage N-L. M.

Pourquoi rapprocher le parcours de ces 2 artistes ? On pourrait répondre qu'il y a comme une filiation dans la captation des visages, des silhouettes, des poses, par l’œil du professionnel derrière l'objectif.  Les deux hommes ont cassé les codes, avec la revendication affichée d'une recherche identitaire dans l'exercice de leur talent respectif . Question de singularité, d'anti-conformisme, du droit à exploiter d'autres pistes que les canons
académiques en y faisant, paradoxalement, une évidente référence.
De Coco Chanel, à Pablo Picasso, nombreux sont celles et ceux qui se sont pliés à l'exercice de la pose,  pour être fixés à jamais sur la pellicule par Man Ray. 


Free lance Writer
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Dédale urbain au Grand Palais

A Paris, au Grand Palais, du 10 mai au 22 juin 2014, la 6e édition de la Monumenta,  sous le titre générique de "L'étrange cité", propose une déambulation urbaine dans une ville  intrigante  et utopique , entre rêve et imaginaire, grâce aux créateurs de l'oeuvre: le  couple d'artistes russes : Emilia et Ilya Kabakov. 
La manifestation est soutenue par le ministère français de la Culture et de la Communication et par le Multimedia Art Museum de Moscou.
L'exposition offre une conception multi-émotionnelle  d'une ville idéale pour une vie meilleure, tournée résolument vers l'avenir .Etrangeté de cette vie, déclinée en espaces multiples, sous l'éclairage cru d'une luminosité dense, l'exposition a de quoi susciter l'interrogation aussi bien que l'étonnement. L'art conceptuel, par son esthétique dépouillée, se voulant neutre, n'est-il pas une expression de la volonté des créateurs à provoquer ce genre d'émotions et d'attitudes? Miser sur  des volumes pour se jouer de la lueur vive que transmet l'immense verrière de la coupole du Grand Palais est,  depuis 2007,  une opportunité artistique intéressante. Une nef  à la mesure de la démesure (surface de 13 500 m² et 45 m de h), pour une exposition d'art contemporain dont on ne trouve aucun équivalent ailleurs. Après D. Buren, A. Kapoor, R. Serra, A. Kiefer, C. Boltanski, les artistes underground engagés : Emilia et Ilya  Kabakov investissent le lieu pour un nouveau temps fort . Le nombre de visiteurs toujours croissant, a doublé depuis la 1ère édition de la Monumenta. Ainsi, en 2012, étaient ils près de 260 000 à venir voir l’œuvre de Daniel Buren:"Excentrique(s)." Et l'on suppose que 2014 verra aussi une fort importante  fréquentation.

D'abord élaboré sur plan, puis monté en maquette, chaque projet (exposition ou décor de théâtre) prend corps dans l'atelier, véritable refuge pour ces artistes russes, qui avouent se dégager du quotidien,  afin de mieux se plonger dans l'univers artistique créatif. Après le centre Pompidou (Paris, en 1995), Berlin (en 1990, le  collectif : Artistes pour la liberté,  le mur abattu est devenu symbole et support artistique ), le retour à Paris se fait donc au
Grand Palais avec la présentation d'une pièce gigantesque,  à la dimension du cadre,  pour une proposition de voyage de l'autre côté du miroir, à la recherche du sens, et de soi-même. Plusieurs techniques, (dont la peinture, la sculpture, l'assemblage), sont représentées dans la construction de l’œuvre, vue comme un parcours à travers sept volumes (dont deux chapelles : l'une blanche, l'autre sombre, et un  centre d'énergie construit sous un angle particulier dit :  cosmique). Le passage des divers  portails, sur le trajet,  est une invitation à l'initiation, et à la réflexion spirituelle, tel le franchissement d'étapes. Les figurines  exposées, dans quelques parties de ces  lieux, sont en lévitation, alignées,  ou volantes : hommes et anges se côtoient donc dans une exposition où, encore une fois, l'architecture et une certaine forme de  spiritualité vont de pair.


 Vidéos des interviews proposées à la télévision  sur Arte :
http://creative.arte.tv/fr/magazine/monumenta-2014-conversation-avec-les-kabakov 

Free lance Writer
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Helmut Newton : la mise à nu

PARIS: Exposition rétrospective des œuvres du Photographe HELMUT NEWTON (1920- 2004) au Grand Palais , galerie Sud-Est, depuis le 24 mars   jusqu'au  17 juin    2012.

Karl Lagerfeld (couturier créateur

Le vernissage  a eu lieu le 23 mars 2012,  en présence du Ministre de la Culture et de nombreuses personnalités du monde du spectacle, et de la mode.Mentionné  sur le site Internet Actuphoto, Helmut Newton fait partie des" incontournables " de la photographie. Primé en 1990, décoré, il a apporté à l'univers de la Mode,  à la fois sa fantaisie, son regard de provocateur, son imagination habitée de fantasmes, son esprit novateur révolutionnaire, sa grande maîtrise artistique dans l'instant saisi.

Helmut Newton (photographe)

Charlotte Rampling (actrice)

De portraits d'artistes en photographies de mannequins, dans des situations et des poses inattendues, parfois osées,  Helmut Newton capte des attitudes, des gestes, des expressions, qui, jusque-là, n'avaient jamais été mis au service de l'art, de la mode , de la publicité. Il a longtemps travaillé pour le magazine Vogue ( version française). L'élève d'Else Simon met le noir et blanc en valeur, autant que les versions couleurs de ses clichés sophistiqués et surprenants. Quelques "people"  ont été, pour lui, sujets de choix, sachant que ce photographe saurait faire émerger et valoriser  une partie de leur vraie  personnalité et de leur talent.  L'exposition parisienne présente  au public 200 œuvres ( des tirages originaux, des polaroids, des pièces aux divers formats, une séquence  du film:"Helmut by June " (tourné par l'épouse du photographe, qui est l'une des commissaires de l'exposition ).  La démarche générale de la manifestation est autant dans  la présentation  d'une somme de clichés, (collectée sur plusieurs années de travail dans le milieu de la mode, de la haute couture, du luxe...) que dans l'hommage , puisqu'une telle exposition n'avait jamais eu lieu en France, jusqu'à présent.    Thierry Mugler, Karl Lagerfeld, Balenciaga, ... ont eu leurs créations flashées par Helmut Newton  qui a su se jouer des classiques prises de vues, pour faire "sortir" les images des  pages glacées des magazines spécialisés ou des journaux. On a souvent employé, pour qualifier ses productions,  les adjectifs  : sulfureux, provocant, sexy,controversé,  décomplexé...Il est vrai que si  la nudité  y est souvent dévoilée, suggérée, affichée, elle n'est pas l'exclusivité.  Les Seventies avec  leurs divers mouvements de libération ( sociale, morale, comportementale) avaient insufflé la tendance.  Il faut tenir compte des autres figurations comme les présentations des collections de grands couturiers, les portraits ( d'hommes politiques,  ceux d'actrices, de chanteurs ...) mettant l'accent sur la mise en mémoire d'un événement particulier et d'une époque pour juger l'ensemble de l’œuvre, comme en témoigne le livre Sumo, énorme ouvrage  (paru en 1999, publié par les Editions Taschen), de plus de 400 pages, pesant 30 kg, . 



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